De mest stressende film, du stadig vil se

For de fleste mennesker er at gå i biografen en sikker form for stresslindring - en der specifikt er beregnet til at distrahere os fra uroen i vores egne liv i mindst en time eller to. Naturligvis kan denne strategi lejlighedsvis slå tilbage, fordi nogle film simpelthen ikke tillader dig at slukke for din hjerne og tjekke ud af verden i endnu et eneste minut.

Dette er ikke altid en dårlig ting. Faktisk er nogle af vores yndlingsfilm nydt i deres intention om at udfordre vores hjerter, vores sind og faktisk vores følelsesmæssige stabilitet. Nogle gange bruger de vilde dyr til at sætte os på vores hæle; andre gange er det et ægte monster eller et foruroligende scenario, der sætter os på kant. Uanset hvad, nogle film ved bare hvordan man trykker på vores stressknapper på spændende, uventede måder - og vi ender med at elske dem for det. Dette er de mest stressende film, du stadig vil se.

Bug (2006)

Kan du huske den gang William Friedkin instruerede en af ​​de mest nervøse film nogensinde lavet, og det syntes ikke om nogen at bry sig? Det var 2006, blev filmen kaldt Insekt, og odds er, at du aldrig har hørt om det. Det er en skam, for det er ikke kun det Insekt en gennemtrængende, næsten fejlfri udført psykologisk horrorfilm, den indeholder en af ​​de fineste forestillinger i Ashley Judds karriere og en breakout-tur fra den store Michael Shannon.

Stadig, Insekt har fløjet for det meste under radar i tiåret plus siden udgivelsen, mest fordi det næppe er en feel-good affære. Størstedelen af ​​filmen er placeret i et gråbåndet hotelværelse og følger en beskadiget kvinde, der ser ud til at være på randen af ​​en frisk start efter at have mødt en venlig krigsdyrlæge. Naturligvis viser veterinæren sig at være et dybt unhinged individ, og det, der følger, er en skræmmende nedstigning til en delt vildfarelse drevet af paranoia og desperation - en, der er sikker på at hæve dit blodtryk et punkt eller to eller 10.

Friedkin holder handlingen spændt igennem, hvilket gør sagen ekstra stressende ved at bruge ekspressionistisk belysning til at øge stemningerne, skyde hans stjerner i invasive, flatterende nærbilleder og byde på en håndfuld kropsskrækkescener, der ville få David Cronenberg til at kramme. Insekt er i det væsentlige den filmatiske ækvivalent ved at stikke en rå nerve i et par timer, men det er værd at smerten er - og du vil stadig se.

Seven (1995)

Hvornår syv tog sin vej til teatre tilbage i efteråret 1995, verden var simpelthen ikke klar til sin ubehagelige moral eller den ubarmhjertige dystre historie, der ledsagede denne out-to-shock-fortælling, og den var bestemt ikke rede til at se denne fortælling som en spejle for dets moralske og samfundsmæssige overdrivelser. Nej, verden var ikke klar til syvi 1995, men forbandet, hvis vi stadig ikke stiller op i troves for at tage en tur gennem David Finchers symfoni af sorg.

Det er lidt overraskende i betragtning af syv åbner på en tålmodig dør note og bliver kun mere øde, desperat og frem for alt stressende med hvert chokerende øjeblik, der følger. Stadig,syver så omhyggeligt konstrueret, besat udført og dygtigt handlet (filmen er et højdepunkt for både Brad Pitt og Morgan Freeman), at det - selv på sit mest grusomme - næsten umuligt ikke ønsker at se det hele udfolde sig.

Uanset om det er på grund af syv's besættelsesfulde natur, fordi vi alle er ude til straffe, eller fordi vi virkelig bare ønsker at gå på en spisestue og tage en kop kaffe med Morgan Freeman, Finchers ferale fantasier om nyttelighed er stadig en af ​​de mest omskiftelige film, der nogensinde er lavet. Hvilket også betyder, at vi måske mangler pointen.

Sjove spil (1997 eller 2007)

Michael Haneke er en af ​​de filmskabere, der glæder sig over at finde nye måder at få publikum til at trykke på panik-knappen. Screening af Hanekes filmografi er som at tage en psykologisk stresstest, hvor du får et elektrisk stød som begge belønninger og straf for hver film du har set. Kort sagt, at elske Hanke's arbejde er åbent at indrømme, at du er afhængig af chokket, og det er slags filmskaberen.

Men du føler om Haneke, instruktøren pressede utvivlsomt sit talent for at stresse os ud til kanten, da han bragte Sjove spil til teatre. Filmens snoede fortælling om to voldelige, veluddannede sociopater, der tager et velhavende familie som gidsler og torturerer dem uden nogen åbenbar grund, er nok til at bringe sved i panden til nogen med en puls. Alligevel som Sjove spil udfoldes, Haneke hæver stressniveauet ved ofte at antyde, at publikum er medskyldig i volden, fordi vi er dem, der vil se det.

Hver anklage kommer næsten som en tur til at slå filmen fra. Uanset om du gør det eller ej, glæder Haneke stadig ved at tukte seerne for at være vidne til endnu et sekund af det. Så meget, faktisk, at da Hollywood begyndte at planlægge en engelsksproget genindspilning, Haneke selv underskrevet for at direkte, tilsyneladende svimmel ved tanken om at trykke på disse budknapper igen. For at være klar, Sjove spil er lige så brutal og utilgivende på engelsk som på tysk, og vi er stadig ikke sikker på, hvorfor vi følte os så tvungne til at se det i begge dele.

Mor! (2017)

Apropos instruktører, der kan lide at trykke på vores knapper, lad os have en runde bifald til Mr. Darren Aronofsky! De betragter sig som hengivne Aronofskyitter er kommet til at forvente, at den visionære filmskaber skubber grænserne for fortælling, intellekt og ganske ofte moral. Stadig intet indinstruktørens nitrende oeuvre kunne have forberedt publikum til den grænseoverskud, der var Aronofskys tilbud i 2017, mor!

Beliggende i et roligt, afsondret landsted, følger filmen en kæmpende digter (Javier Bardem) og hans unge kone (Jennifer Lawrence), mens de prøver at skrive og ombygge. Den fredelige eksistens forstyrres med ankomsten af ​​uventede gæster - og når den først er forstyrret, går tingene hurtigt ud af hånden.

Forstå, at vi, hvad vi egentlig mener, er 'ude af hånden' helt bonkers på måder, som intet rationelt menneske muligvis kan fatte. Som mor! fremdrager sig til sin chokerende, men uundgåelige finale, de øjeblikke, der fører os der, kommer med en konstant, feberende overskrift af ante. Som sådan, ser på mor! er en afgjort stressende affære. Det er også en følelsesladet, og det kan have ført til filmens box-office problemer.

Stadig, hvis du er nødt til at træde indmor!er ikke-så-ydmyg ildsted, du kan måske bare finde dig selv ængstelig forbinde til denne dybe, indsigtsfulde lille film næsten på trods af dens giftige, beskattende emne. Men for himmelens skyld, hvis du kommer ind, skal du ikke sidde i den vask, fordi den virkelig ikke er afstivet endnu.

Begravet (2010)

I store dele af hans tidlige karriere syntes tanken om at tage Ryan Reynolds alvorligt som skuespiller bare latter. Selv har han prøvet at gå direkte med film som Amityville-rædsel og Smokin 'ess, det var svært at glemme den type feckless doof, han spillede i titler som Van Wilder. Alt sammen er det at sige, at mange filmgængeres meninger om Reynolds som skuespiller for evigt blev ændret efter at have set sin nervepirrende mikro-budget-thriller i 2010 begravet.

Hvad er så specielt ved begravet, du spørger? Til at begynde med foregår filmen et enkelt sted, hvor en enkelt skuespiller vises på skærmen. Placeringen er en kiste begravet et eller andet sted i den irakiske ørken. Reynolds er den eneste skuespiller - og ja, han er begravet inde i kisten. Så begynder panikinducerende handling af begravet.

Selvom panikfremkaldende kan være en underdrivelse. Hvis du er klaustrofob, sidder du igennem begravet er meget som at udsætte dig for et 95-minutters angstanfald. Hvis du ikke er bange for lukkede rum, begravet er stadig meget som at udsætte dig selv for et 95-minutters angstanfald. Når det er sagt, hvis du er dristig nok til at udholde den klaustrofobe terror, vil du blive belønnet med en førsteklasses thriller med et par kloge vendinger, nogle overraskende indsigtsfulde kommentarer om staten 'efterkrigstidens' Irak, og ja , en imponerende dramatisk forestilling fra Ryan Reynolds, der ikke snickely snyder eller bryder den tredje væg engang.

127 timer (2010)

Der er ofte en fin linje mellem ikke nok og alt for meget i film. Mens de fleste af filmene på denne liste fejler siden for meget på alle de bedste måder, skubbede få de grænser så langt som127 timer. Baseret på den utrolige sande historie om en lidenskabelig bjergbestiger, der blev tvunget til at afskære sin egen arm, efter at han blev fanget under en klippe, er filmen en oprivende undersøgelse om en mands urokkelige vilje til at leve.

Ja, den historie er så inspirerende, som du kunne tro, men den er også ret stressende - hvis ikke direkte forfærdelig - at se på. Når øjeblikket endelig kommer til at afbryde det fangede lem, panikerer instruktør Danny Boyle sig ikke væk fra den blodige, livreddende handling, snarere omfavne øjeblikket på en måde, der kommer tæt på at føle sig udnyttet af det virkelige liv uden helt at vippe over til udnyttelse.

Det er den slags scene, der får dig til at lukke øjne og ører og krølle dig sammen i en bold, indtil det er forbi. Det er ikke bare stressende, det er absolut irriterende, men selv når det sker, finder du dig selv en slags lyst til at se den grimme handling ... fordi hovedparten af ​​filmen (med en karriere-bedste forestilling fra James Franco) er brugt på at kødes ud manden bag historien. Fordi vi virkelig bryder os om det liv, der er knyttet til den arm, bliver øjeblikket mere en fest til livet end en undersøgelse i gore, selvom det hjemsøger din hukommelse måneder efter, at du er vidne til det.

Under the Skin (2013)

Nogle gange er det svært at præcist finde ud af, hvad det drejer sig om en film, der stresser dig. I tilfælde af Jonathan Glazer's Under huden, det er meget lettere at finde ud af, fordi svaret bogstaveligt talt er alt. Filmens fotografering, musik, skuespil, lyddesign og redigering virker alle specielt designet med det ene mål at holde seerne på kant i hele filmen, og det er præcis, hvad de gør. Resultatet er en udfordrende, dybt foruroligende film, som du ikke rigtig ser så meget, som du oplever.

Ja, det er ofte en ganske stressende oplevelse (stranden scene på Under hudenHalvvejs punkt er så følelsesmæssigt at straffe, at det næsten er fysisk smertefuldt at sidde igennem), men det er også et dybtgående engagerende. Under huden er så omhyggelig i sin strukturelle artefekt, toneforskydninger og narrative ambitioner, at filmen praktisk talt hypnotiserer seerne til at komme ind i det skrå mørke, når det undersøger komplekse emner om identitet, udenjordisk moral og hvad det betyder at være menneske.

I midten af ​​denne udforskning er den eneste underlige (og muligvis stærkeste) præstation i Scarlett Johanssons karriere. Jo mindre der er sagt om denne præstation, jo bedre. Bare ved det, ligesom Under huden i sig selv, det fungerer bedst, hvis du ved så lidt som muligt at gå ind. Ved også, at hvis du er stresset, mens du oplever Under huden, det betyder bare, at det fungerer.

Fjende (2013)

Under huden var ikke den eneste film fra 2013, der var besat af spørgsmål om identitet og den menneskelige tilstand. Denis Villeneuves doppelgänger-thriller Fjende faktisk trækker i lignende eksistentielt dybe farvande det år - kun Villeneuve tog en udpræget mere personlig tilgang til dramaet. Tilpasset fra en roman af den eksperimentelle portugisiske forfatter José Saramago, Fjende følger rejsen fra en gennemsnitlig mand, hvis middelmådige liv kastes i flux, når han opdager sin nøjagtige dobbelt i en film.

Hvis dette setup lyder lidt underligt, skal du vide, at Saramago kun bliver varmet op. Det følgende er en skarp, stressende, akut observeret undersøgelse af identitet og moderne isolering. En, der finder Jake Gyllenhaal i topform, der spiller dobbeltroller, og Denis Villeneuve begynder at drille fortællingens dristighed, der er blevet hans varemærke i årene siden.

Så vidt som Fjendefortællingen går, edderkopper figurerer fremtrædende, hvilket betyder, at der er en vis mængde arachnid angst involveret i at se det. Filmen er også fyldt med metaforiske webs, som Villeneuve snarere end at forsøge at løse, forsøger at forstærke og at trække seerne videre ind i det klistrede, dødbringende centrum. Denne taktik forbliver sand, helt indtil filmens panikfremmende sidste øjeblik. Som sådan, Fjende er en af ​​de sjældne film, der er stressende nok bare for at se, og endnu mere efter at kreditterne er rullet, og du sidder fast ved at finde ud af, hvad fanden lige er sket.

The Descent (2005)

I disse dage bliver det sværere at lave en fantastisk rædselfilm, der faktisk skræmmer folk. Hvad der gør Neil Marshall's Nedstigningen så speciel er, at det ikke kun er en stor rædselfilm - den er faktisk tre, og alle af dem vil skræmme helvede ud af dig. Filmen åbner som et nøgternt psykologisk drama og forvandles til et klaustrofobt mareridt, inden han bliver en fuld-on, blod og tarm skabning funktion.

Det lyder måske som om der er lidt for meget der sker i filmen, og for de fleste film ville det sandsynligvis være sandt. Ikke så for Nedstigningen, selvom. Når Marshalls fortælling om seks spændingssøgende venner, der drager ud på en dødsdømt grotteekspedition, udspiller sig, undlader instruktøren aldrig at finde det rigtige øjeblik til at sætte gang og skifte fortællingen. Han gør det så dygtigt, at disse uensartede fortællinger blødes problemfrit i en urimelig brutal fortælling, der chokkerer systemet, mens du smadrer dit hjerte til blodige små bits.

De af jer, der frygter mørke, lukkede rum, farlige følelsesmæssige sammenfiltringer - og, um, blodtørstige, huleboende væsener - vil finde Nedstigningen at være selve definitionen på stressende. Men hvis du kan håndtere dine egne i de dybe, mørke udsparinger af både Jorden og det menneskelige hjerte, finder du sandsynligvis et rædselfilmparadis i Nedstigningener beksvart skjærsild.

Krisha (2016)

Hvis Nedstigningen føles som om det arbejder med den hellige trilogi af horrorfilmfortællinger, Trey Edward Shults leverede en lige så nervøs trilogi til sin stramme psykologiske thriller, Krisha. Shults 'film ligger i den hyggelige forstads husholdning i en entydigt brudt familie, og tager en del kompleks familiær uro, tilføjer et strejf af åbenlyse feriekrig og drysser den blanding med en kraftig dosis afhængighedsdrama til at skabe en tonehøjde, pitch-black film soufflé, der fik nogle kritikere, der hyldede det som en 'filmatisk panikanfald'ved frigivelse.

I det smeltede centrum af den stressende soufflé er et show-stop fra Krisha Fairchild, der skildrer den titulære karakter med lige store dele skrøbelighed og direkte trussel. Som Krisha åbner, hendes historie ser på en forløsende fortælling om bedring og tilgivelse, men når familiens Thanksgiving Day skrider frem, bliver det klart, at nogle sår er langsomme med at heles. Dagen opløses hurtigt i en parade af kaustiske blikke og bitende ord, og som den gør, skrækker angsten ubarmhjertigt op til en potskogende feber-tonehøjde, som du stadig på en eller anden måde vil se.

Når det endelig koger over, så lad os bare sige, at deres liv aldrig vil være det samme. Din kan måske heller ikke. Krisha leverer ikke bare på det 'filmatiske panikanfald' -mærke, det fremkalder den slags angst, der sandsynligvis vil give dig gisende efter luft, når kreditterne ruller. På en god måde.

Texas Chainsaw Massacre (1974)

Lejlighedsvis kan en film være stressende ikke så meget på grund af dens indhold, men på grund af den måde, indholdet præsenteres på. Texas kædesav Massakre er unægtelig foruroligende strengt baseret på dens indhold - filmen handler om en familie af bagtræer, der er ansigt iført kannibaler, der fælder, torturerer og forsøger at myrde / spise en gruppe intetanende teenagere, når alt kommer til alt, og det er en blodig, brutal smule af forretning , for at være sikker. En, der ville have endnu stødende rædselsfans på kanten af ​​deres sæder. Det sker også meget løst på en rigtig historie.

Den sidste smule info er den der sætter så mange mennesker af, når de sætter sig ned for at se Tobe Hoopers makabre mesterværk, men det er den måde Hooper præsenterer blodbadet, der er stressende for de fleste seere. Skudt på grusom, 16 mm filmmasse og indeholder hovedsageligt ikke-professionelle skuespillere, den grusomme handling i Texas kædesav-massakren føles ofte mere som en dokumentarfilm end et grotesk værk af fiktion.

Denne hyperrealistiske følelse havde en galvaniserende effekt på publikum da Hoopers film ramte teatre i 1974, og den fortsætter med at have den virkning på publikum i den moderne tid - alligevel ønsker vi stadig at se dette polariserende stykke arbejde, hvor mange anerkender Texas kædesav-massakren somden største horrorfilm, der nogensinde er lavet.

Gravity (2013)

Hvad der er tilbage at sige om Alfonso Cuaróns Oscar-vindende hvid-knuckler der ikke allerede er sagt? Cuaróns stressende rumindstillede thriller blæser alt til helvede inden for de første fem minutter, og på en eller anden måde formår han at bevare den panikramte intensitet gennem de 85, der følger.

Ligesom astronauten, der er fanget i kaoset (Sandra Bullock i en Oscar-nomineret tur), den rene, fremdrivende energi, der driver Tyngdekraft lader det være et øjeblik at tænke eller endda trække vejret. Hellere, Tyngdekraft er en film, som du er tvunget til at reagere på på et visceralt niveau. Og du vil reagere på et visceralt niveau, fordi Cuarón bruger ethvert værktøj i sit filmatiske arsenal (lyd, rum, musik, effekter, redigering osv.) For at trække dig ind og få dig til at føle dig som om du bliver fanget i midten af handling.

Filmens kerne er, at du også reagerer på den på et følelsesmæssigt niveau. Kreditér et knivskarpt manuskript fra Cuarón og hans bror Jonás, der bygger nok detaljer i Bullocks astronaut til at få os til at bekymre os om, hvorvidt hun finder vej hjem eller ej, og en lige så skarp forestilling fra Bullock til at udpege karakterens ufærdige kanter nok til at få hende til at føle autentisk. Denne blanding hjalp med at gøre Tyngdekraft en af ​​de mest følelsesmæssigt udmattende - og følelsesmæssigt givende - film, du nogensinde vil se.